Le pop art a commencé avec les artistes new-yorkais Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist et Claes Oldenburg, qui se sont tous inspirés de l’imagerie populaire et ont participé à un phénomène international.
Qu’est-ce que le pop art ?
Après la popularité des expressionnistes abstraits, la réintroduction par Pop d’images identifiables (tirées des médias de masse et de la culture populaire) a constitué un changement majeur dans l’orientation du modernisme. Le sujet s’éloignait des thèmes traditionnels du » grand art » que sont la morale, la mythologie et l’histoire classique. Les artistes pop ont plutôt célébré des objets banals et des gens de la vie quotidienne, cherchant ainsi à élever la culture populaire au niveau des beaux-arts. Peut-être en raison de l’incorporation d’images commerciales, le Pop art est devenu l’un des styles les plus reconnaissables de l’art moderne.
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Idées clés
- En créant des peintures ou des sculptures d’objets de culture de masse et de stars des médias, le mouvement Pop art a cherché à brouiller les frontières entre l’art « haut » et la culture « basse« . L’idée qu’il n’y a pas de hiérarchie culturelle et que l’art peut emprunter à n’importe quelle source a été l’une des caractéristiques les plus influentes du Pop art.
- On pourrait soutenir que les expressionnistes abstraits cherchaient le traumatisme de l’âme, tandis que les artistes pop cherchaient des traces du même traumatisme dans le monde médiatisé de la publicité, des dessins animés et de l’imagerie populaire en général. Mais il est peut-être plus précis de dire que les artistes pop ont été les premiers à reconnaître qu’il n’y a pas d’accès immédiat à quoi que ce soit, que ce soit l’âme, le monde naturel ou l’environnement bâti. Les artistes pop croyaient que tout est interrelié, et ont donc cherché à établir ces liens littéralement dans leurs œuvres d’art.
- Bien que le Pop art englobe une grande variété d’œuvres aux attitudes et postures très différentes, la plupart d’entre elles sont quelque peu décalées sur le plan émotionnel. Contrairement à l’expression « chaude » de l’abstraction gestuelle qui l’a précédée, le pop art est généralement « froidement » ambivalent. La question de savoir si cela suggère une acceptation du monde populaire ou un retrait choqué a fait l’objet de nombreux débats.
- Les artistes pop semblent avoir embrassé le boom manufacturier et médiatique de l’après-guerre. Certains critiques ont cité le choix de l’imagerie pop art comme un appui enthousiaste au marché capitaliste et aux biens qu’il fait circuler, tandis que d’autres ont noté un élément de critique culturelle dans l’élévation des artistes pop du quotidien vers le haut art : lier le statut de marchandise des biens représentés au statut de l’objet artistique lui-même, en soulignant la place de l’art comme, au fond, une marchandise.
- La majorité des artistes pop ont commencé leur carrière dans l’art commercial : Andy Warhol était un illustrateur de magazine et un graphiste à succès ; Ed Ruscha était également graphiste et James Rosenquist a commencé sa carrière comme peintre de panneaux publicitaires. Leur expérience dans le monde de l’art commercial les a formés au vocabulaire visuel de la culture de masse ainsi qu’aux techniques permettant de fusionner de façon transparente les domaines du grand art et de la culture populaire.
Les oeuvres d’art et les artistes du pop art
Boîte à pâtisserie, I – Claes Oldenburg
Oldenburg est connu comme l’un des rares sculpteurs américains de Pop art, connu pour ses créations absurdes et ludiques de nourriture et d’objets inanimés. La collection d’œuvres dans Pastry Case a d’abord été exposée dans la célèbre installation de l’artiste en 1961 intitulée The Store, située dans le Lower East Side de New York. Pour ce projet, Oldenburg a créé des objets sculpturaux en plâtre, dont un gâteau aux fraises et une pomme confite. En plus de reproduire des objets de consommation, Oldenburg a organisé son installation comme un magasin de variété typique et a vendu ses objets à bas prix, commentant l’interrelation entre les objets d’art et les marchandises. Bien que vendues comme si elles étaient produites en série, les sculptures du Magasin ont été soigneusement construites à la main et les coups de pinceau somptueux et expressifs qui recouvrent les articles de Pastry Case, « je semble me moquer du sérieux de l’expressionnisme abstrait », un thème commun au Pop art. Oldenburg combine le geste expressionniste évocateur avec l’objet marchand dans un environnement très ironique.
Soupe Campbell I – Andy Warhol
La série emblématique de tableaux de boîtes de soupe de Campbell de Warhol n’a jamais été conçue pour être célébrée pour sa forme ou son style de composition, comme celle des abstractionnistes. Ce qui a rendu ces œuvres significatives, c’est la récupération par Warhol d’images universellement reconnaissables, comme une boîte de soupe Campbell, Mickey Mouse ou le visage de Marilyn Monroe, et le fait de les représenter comme un objet produit en série, mais dans un contexte artistique très particulier. En ce sens, Warhol ne mettait pas seulement l’accent sur l’imagerie populaire, mais plutôt sur la façon dont les gens en sont venus à percevoir ces choses dans les temps modernes : comme des marchandises à acheter et à vendre, identifiables comme telles d’un seul regard.
Cette première série fut peinte à la main, mais Warhol passa à la sérigraphie peu de temps après, favorisant la technique mécanique pour son imagerie de culture de masse. 100 toiles de boîtes de soupe de Campbell ont constitué sa première exposition personnelle à la Ferus Gallery de Los Angeles, et ont placé Warhol sur la carte du monde de l’art presque immédiatement, changeant à jamais le visage et le contenu de l’art moderne.
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